- Entre art et révolution industrielle
Le design prend naissance dans une réflexion concernant les processus de standardisation dans la révolution industrielle. En s’éloignant de l’artisanat et en prenant appui sur les innovations technologiques, le design se propose de réfléchir à la fois à l’utilité des objets, à leurs formes et à la manière dont les individus s’en emparent dans leur quotidien. Tout cela démarre notamment dans la seconde moitié du XIXè siècle.
Progressivement, la production industrielle va s’emparer de chaque dimension de la vie quotidienne ; cela concerne par exemple le mobilier de maison. Mais outre le design industriel et la production en série (des chaises de Michaël Thonet aux voitures de Ford), le design va également s’immiscer dans l’identité même des groupes industriels. C’est ainsi que l’allemand Michael Behrens va être le premier à développer l’identité de marque d’une entreprise, pour AEG notamment (du logo au courrier à en-tête).
D’une certaine manière, le fait de concevoir un objet en fonction de l’utilité que l’on en fait a toujours existé ; les qualités inhérentes au design, au fond, précèdent de loin la révolution industrielle – les premiers outils des humains préhistoriques, par exemple, sont de beaux exemples de design artisanal. Cependant, on a coutume de dire que c’est bien l’industrialisation, associée à une réflexion esthétique et artistique, qui permettent au design moderne d’émerger.
William Morris, qui influencera notamment les débuts du Bauhaus, va réfléchir à ces questions en proposant d’apporter le beau dans le quotidien, via le mouvement Arts & Crafts (1880-1910). Ce mouvement se consacre à une forme d’utopie des arts décoratifs, en réaction et en critique à la révolution industrielle et à sa standardisation, en proposant une réappropriation de l’artisanat qui court-circuiterait le fonctionnalisme industriel. Il s’agit donc d’apporter de l’esthétique, du beau et de l’artistique dans un quotidien de plus en plus conformiste du point de vue des formes et des objets.
2. L’avant-garde du design
On l’aura compris, avec l’industrialisation, c’est donc en Europe que le design contemporain fait ses premières armes. On y distingue plusieurs mouvements qui témoignent de l’effervescence du tournant entre XIXè et XXè siècles : le design est à la fois production économique, mouvement artistique et réflexion politique sur la société. Ainsi, l’objet, sa fonction et sa forme ne sont jamais déconnectés de l’usage social et d’une pensée sur la condition des femmes et des hommes dans la société.
Dès le début du XXè siècle et jusque dans les années 1920, on assiste à la naissance de plusieurs mouvements qui vont durablement marquer, au moins dans leur esthétique, la manière dont le design est encore envisagé aujourd’hui.
Cubisme, futurisme et suprématisme (ou encore le constructivisme) montrent tous à quel point les sociétés du début du XXè siècle s’interrogent sur elles-mêmes, sur leurs transformations, mais également sur leurs perspectives politiques. Le design va se nourrir de ces questions, de ces espoirs et de ces doutes, dans la mesure où l’attrait esthétique de la forme rentre en collision avec les besoins quotidiens.
La radicalisation de la réflexion sur ces questions de forme va notamment être produite avec le mouvement néerlandais De Stijl, qui va proposer l’aboutissement radical de l’ordre géométrique, en utilisant uniquement des couleurs fondamentales et des lignes purement horizontales et verticales. Cette approche rejoint par ailleurs l’oeuvre du peintre batave Piet Mondrian, pionnier de l’abstraction.
Toujours au sein du mouvement De Stijl, le graphisme émerge notamment via les travaux de Theo Van Doesburg. Cette antériorité des Pays-Bas est capitale pour comprendre pourquoi ce pays est souvent considéré comme l’un des pays pionniers du design, du mobilier à l’architecture ; une influence qui s’est progressivement étendue dans le Nord de l’Europe.
3. Le Bauhaus
Le mouvement Bauhaus, né en Allemagne, est extrêmement important pour comprendre la manière dont le design a été une véritable révolution qui a fini par influencer l’ensemble des objets de notre quotidien, jusqu’aux décisions nationales ou locales en matière de politique publique.
Le Bauhaus s’établit de 1919 à 1933 en Allemagne, et son influence est encore particulièrement perceptible aujourd’hui, même si le mouvement lui-même sera brutalement arrêté en raison du régime nazi. Les grandes figures du Bauhaus sont le fondateur Walter Gropius, qui inaugure l’école à Weimar en 1919, les artistes Oskar Schlemmer et Paul Klee, ou encore Wassily Kandinsky, fondateur du mouvement artistique Der Blaue Reiter. Ludwig Mies Van Der Rohe, architecte et dernier directeur de l’école, en sera également un des piliers.
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Le Bauhaus encourage un croisement des disciplines, plutôt que d’isoler art, artisanat et production industrielle : cette école forme ses propres étudiants, se structure de manière considérable et propose un véritable approfondissement de l’apprentissage des techniques, tout en abandonnant la dimension strictement ornementales.
4. L’Union des Artistes Modernes (UAM)
La France n’est pas en reste, avec la création de l’Union des Artistes Modernes en 1929 (et active jusqu’en 1959). Cette union va notamment proposer des créations aux utilisations variées, ce qui permettra notamment d’introduire les dimensions convertibles et pliables, par exemples, pour bon nombre d’objets (notamment mobiliers). On y retrouve notamment le célèbre architecte Le Corbusier, de son vrai nom Charles Edouard Jeanneret. Ce mouvement souhaite introduire un art moderne de la vie contemporaine.
Pour l’UAM, la forme doit donc être utile ; c’est notamment pour cette raison que l’on retrouve les choix architecturaux de Le Corbusier, à la fois gigantesques est rudimentaires dans leurs lignes, qui vont progressivement influencer le design de certains immeubles en France (et notamment, mais pas exclusivement, dans les banlieues) – design qui se révèle être finalement un échec relatif en matière de vivre-ensemble, alors même que l’UAM essayait justement d’atteindre ce but.
5. Après 1945
Après la seconde guerre mondiale, les choses changent ; la majorité des fondateurs du Bauhaus ont émigré aux Etats-Unis et y mènent des carrières florissantes, des nouveaux matériaux (comme le plastique notamment) permettent aux designers d’explorer d’autres procédés de fabrication et des formes nouvelles, et des produits culte du monde du design commencent à voir le jour – des produits que l’on voit encore aujourd’hui.
L’américaine Florence Knoll, notamment, va littéralement révolutionner l’histoire du design en ayant une vision intégrale de l’aménagement de l’intérieur – une philosophie qui a très largement inspiré l’ensemble des fournisseurs et fabricants d’ameublement et les grands magasins dans lesquels nous faisons encore du shopping aujourd’hui.
6. Des années 60 à nos jours
Petit à petit, le design s’inscrit comme une composante incontournable de notre quotidien, et passe de la révolution industrielle à la société de consommation, où tout le monde souhaite avoir accès à des produits à la fois esthétiques et fonctionnels. Cette particularité est capitale. Au cours des années 60, Milan va par exemple devenir un centre européen extrêmement important du design, avec la ligne italienne, jusqu’à l’anticonformisme du pouf Sacco.
En France, c’est par l’avènement de nouveaux couturiers français que la mode va devenir un terrain de jeu particulièrement expressif pour le design, avec les propositions de jeunes et talentueux couturiers comme Yves Saint-Laurent. Le vêtement devient alors un objet du design, une réalité encore actuelle de nos jours. Dans les transports en commun, Roger Tallon conçoit le premier TGV. Pour la designer Denise Fayolle, il s’agit de “vendre le beau au prix du laid”, donc rendre accessible l’esthétique à tout le monde ; dans cet esprit, la chaîne de magasins Prisunic va se lancer dans cette mode du design – désormais présente dans tous les magasins.
Dans les années 70 et 80, le postmodernisme propose une critique du design industriel : il s’agit de dénoncer le fonctionnalisme, qui constituerait un alibi pour “faire vendre”, et non pas pour “rendre accessible l’esthétique”. Cette contestation de la société de consommation va devenir l’une des plus vives tensions au sein du design (encore maintenant). On parle alors d’antifonctionnalisme, d’antidesign, ou encore de néo-baroque.
Dans les années 90 et 2000, le bio-design et les formes fluides finissent par modifier le rapport aux lignes esthétiques dans les objets du quotidien ; on parle alors de formes ergonomiques. En outre, le design adopte de plus en plus une démarche intégrale, qui met le design au centre de tout – comme l’expose notamment le designer français Philippe Starck, célèbre pour ses nombreuses créations variées (jusqu’à la Freebox !). Enfin, le design devient plus responsable, plus sensible aux dimensions sociales et écologiques.
Idée d’activité : cherchez et présentez un objet typique de l’histoire du design en le mettant en contexte par rapport à l’activité de son créateur / sa créatrice et aux courants artistiques, sociaux et politiques dans lesquels cet objet se situe.